La epidemia vuelve a atacar

Juan Carlos Fresnadillo, director de “28 Weeks Later”, el nuevo filme de terror que se estrena ésta semana, brindó una entrevista para La Orilla del Sarten

Por: Aníbal Díaz González

Han pasado 6 meses (o 28 semanas), desde que el virus “Rage”, una extraña enfermedad que convierte a sus portadores en seres extremadamente violentos, se esparciera sobre la ciudad de Londres. La Armada de los Estados Unidos ha restaurado el orden en la urbe británica y se encuentra repoblando la ciudad que continúa en estado de cuarentena. Mientras el primer grupo de refugiados vuelve a la ciudad, una familia por fin puede reunirse… pero uno de sus miembros porta el virus sin saberlo. La enfermedad aún no está muerta, y esta vez es más peligrosa que nunca.
Esta es la trama de “28 Weeks Later”, la nueva película del director español Juan Carlos Fresnadillo y que sirve de secuela a “28 Days Later”, filme británico de terror que se estrenara en 2002 y gozara de un éxito impresionante alrededor del mundo, casi elevándolo a nivel de película de culto gracias a las impresionantes escenas filmadas en una Londres desierta y a su innovador giro a la clásica primicia de las películas de zombies. Juan Carlos es un multipremiado cineasta, guionista y productor, y es conocido principalmente por su filme “Intacto”, en el que deja ver su amor por la corriente del realismo mágico (la mezcla de elementos de realidad con ficción exagerada). Fresnadillo ofreció una breve entrevista vía telefónica desde Miami en la que
habló sobre la trama del filme, por qué no lo considera una cinta de terror y más.

Anibal Diaz Gonzalez: Como cinéfilo… ¿Qué es lo que te atrae del género del terror?

Juan Carlos: Bueno, antes que nada quisiera aclarar que no considero a “28 Weeks Later” una película de terror. Tiene una dimensión que vá más allá, es un thriller postapocalíptico que presenta un escenario en el que la humanidad se enfrenta a una amenaza tremenda, un virus que podría destruír nuestra realidad por completo. Lo que me atrajo de la trama de “28 weeks later” fue cómo algo tan microscópico podría erradicar la sociedad como la conocemos. También está el lado humano de la trama, todos los obstáculos que tiene que sobrepasar la familia protagonista para sobrevivir al virus y las relaciones y conflictos entre ellos. Todo esto se me hizo muy atractivo.

AD: Varias escenas de la primer película fueron filmadas con video digital, lo que provocó que tuviera un ‘feeling’ de cine independiente que resultó muy atractivo en su momento... ¿qué tanto de ese sentimiento permanece en “28 Weeks later”?

JC: Lo que intenté fue acercarme a la premisa de la reconstrucción de Inglaterra. Entre el productor, el guionista y yo quisimos plantear la historia como un documental del proceso de reconstrucción de un país, para darle un sentimiento de realismo mayor al filme, así que ese 'feeling' de película independiente permanece también en la segunda parte.

AD:Como director... ¿que tan fácil o que tan difícil puede resultar el tomar las riendas de una secuela de una franquicia en la que no habías trabajado antes?

JC: Por supuesto que representa un reto, un desafío, la primera película tuvo mucho éxito, así que las expectativas y el interés sobre la segunda parte son muy altos. De cualquier manera tuve la suerte de contar con la bendición de Danny Boyle (director de la original) para hacer una película diferente, nueva y especial. Cuando me invitaron a formar parte del proyecto no pude evitar preguntarme, “¿por qué a mí?” (risas)... Danny me dijo que lo que necesitaban unos ojos nuevos que vieran esta historia de una manera diferente, así que eso fue lo que me tranquilizó.

AD: Sé que te apasiona la corriente del realismo mágico.. ¿de qué manera aplicaste esta pasión al dirigir “28 Weeks Later”?

JC: Pues de hecho ahora fue al revés, el lado realista fue el que “tiró” de mí. Al tratar un tema tan delicado, ésta película tenía que ser realista. Un tema tan complicado como la epidemia de un virus mortal (que sí podría ocurrir en realidad) tenía que ser tratado de ésta manera.

“28 Weeks Later” se estrena este viernes 11 de mayo y está clasificada R por violencia, lenguaje y breve contenido sexual.

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Un superhéroe se columpiaba...

...y seguirá columpián-

dose hacia los millones de billetes verdes en las taquillas. Spiderman 3

llegará a las pantallas el próximo viernes 4 de mayo con más explosiones, más personajes, más drama y más entretenido que nunca

Por: Aníbal Díaz González



Había una vez un perplejo y despistado joven llamado Peter Parker. Era huérfano, tímido y el típico nerd de su escuela, hasta que un día una araña radioactiva o algo así le picó y le dió poderes similares a las habilidades naturales de este insecto, convirtiéndose así en uno de los superhéroes más emblemáticos de la cultura pop gringa: Spiderman. Como a todo buen superhéroe de cómic ya le tocó que Hollywood le patrocinara su versión en la pantalla de plata, y éste próximo viernes 4 de mayo se estrenará la tercera parte de esta franquicia, siempre bien recibida por los fans de la historieta y el público en general. En pocas palabras, déjeme decirle que el filme está excelente, reúne todas las características de todo buen éxito taquillero y comercial: bombazos, personajes carismáticos y efectos especiales de primer nivel. En muchas palabras, ahí le voy. Spiderman 2 dejó al público con un final de cuento de hadas, en el que Peter Parker/Spiderman (Tobey McGuire), le revela por fin a la chica de sus sueños, Mary Jane Watson (Kirsten Dunst), que él es la persona detrás de la máscara del héroe arácnido. La doncella en cuestión le dice que no hay pez, que está dispuesta a correr el riesgo de ser raptada por científicos locos o algún otro "supervillano" con tal de estar con el dueño de sus quincenas. Peter es feliz como una lombriz y le jura amor eterno a la chamaca. ¿Ya la armaron, no?... ¿felices para siempre, verdad?... ¡PUES NO ES CIERTO! (ájale... perdón si soné como Adal Ramones).En esta tercera entrega, Peter y Mary Jane lidian con media tonelada de problemas. Por un lado, Mary Jane sigue tratando de sacar adelante su sueño de ser actriz en Broadway, ilusión que se ve truncada cuando es despedida en la puesta teatral de la cual era protagonista. Peter, por su parte, trata de seguir vendiendo fotos de Spiderman al Diario "El Clarín", pero si antes era difícil convencer al editor del periódico (JK Simmons) para que le comprara sus imágenes, ahora le será casi imposible al enfrentarse a un rival laboral, Eddie Brock (Topher Grace), un fotógrafo medio tranza y sin escrúpulos que hará cualquier cosa por conseguir un trabajo de planta en el diario. Por otro lado, Spiderman sigue siendo perseguido por un nuevo Duende Verde (James Franco), quien busca vengar la muerte de su padre el Duende original (William Dafoe), aparentemente a manos del superhéroe. A la lista de villanos se suma Sandman (Thomas Hayden Church), un ladrón de poca monta que esconde un trágico secreto y quien después de un accidente genético adquiere el poder de transformar cualquier parte de su cuerpo en arena. Por último, pero no menos importante, está uno de los villanos favoritos de los fans, Venom, una extraña criatura que se forma de la simbiosis entre una sustancia espacial (que antes le diera más poder y corrompiera a Peter) y Eddie Brock. A ambos personajes los une su odio por Spiderman y Parker y no se detendrán hasta eliminarlo de la faz de la tierra, no sin antes "surtirle" en donde más le duele. Como espectador y lector esporádico de cómics, lo que siempre me ha gustado de Spiderman es que su parte humana, Peter, es como cualquier hijo de vecina. A diferencia de Batman, quien es un millonetas que sale de cualquier apuro gracias a su chequera, o Superman que con su acto de reportero torpe le saca la vuelta a las cosas, Parker tiene problemas "normales": broncas con la novia o con los amigos, no completa para sus gastos, tiene que preocuparse por sacar adelante sus estudios, en fin, lo que cualquiera de nosotros puede estar enfrentando en la cotidianeidad diaria. Este recurso es explotado con la cantidad exacta durante el filme, provocando que el público ría, se sorprenda y hasta se preocupe por lo que pasa con los protagonistas. McGuire y Dunst siguen sin perder esa enorme química que los une en la pantalla, y los personajes secundarios como los interpretados por Franco, Church y Brock proveen el balance suficiente para hacer de esta cinta un deleite telenovelero. Mención aparte merece Bryce Dallas Howard, una bellísima (y poco conocida) actriz que interpreta a Gwen Stacy, una bella modelo que se convierte en una tentación para Peter y quien de manera no intencional ocasiona problemas en la relación entre él y Mary Jane. En cuanto a las intenciones de aventura y emoción, Spiderman 3 cumple y cumple bien. Los obligatorios efectos especiales sumergen a los espectadores en varias secuencias de pelea y acción que mantienen al público al filo de su asiento y con ganas de pedir más. Los efectos del cuerpo de Sandman al desbaratarse en el aire o al disolverse en agua son extremadamente detallados, así como las animaciones de la sustancia negra al unirse y separarse de Peter o cuando se convierte en Venom. Como que se alcanza a oler por lo menos una nominación al Oscar por mejores efectos especiales. En resúmen, Spiderman 3 es una película extremadamente entretenida y supera a las dos anteriores en todos los aspectos: mejor trama, más acción, mayor carisma y una gracia inigualable. Altamente recomendable.

Entre estados de coma, risas y breakdance: "Kickin' it Old School"

Por: Aníbal Díaz González
Ah... los ochenta. Para muchos la década de melenas largas, modas ridículas y el apogeo de los videos musicales. Pero para Justin "Zapatos de Cohete" Schumacher (Jamie Kennedy), 1985 representaba más que eso. Con una habilidad impresionante para el baile y 12 años de edad a cuestas, Justin podía ganarse el corazón de cualquier muchacha de su escuela, y acompañado de su banda, "The Funky Fresh Boys", daba cátedra de breakdance en cuanto lugar se apareciera. Desgraciadamente su buena racha termina cuando durante un concurso de talentos de la escuela Justin hace un giro de cabeza combinado con un giro de espalda que lo lanza fuera del escenario, provocándose un coma que lo mantendría fuera de la jugada (y a sus padres pagando enormes cuentas de hospital) durante más de 20 años. Llega el 2007 y Justin despierta milagrosamente después de escuchar unas tonadas ochenteras. Shumacher, ahora treintón, se enfrenta con varios problemas: está congelado en el tiempo, tiene el espíritu de un adolescente dentro del cuerpo de un adulto y sus papás están con las deudas de servicios médicos hasta el cuello. Para ayudarlos -y recuperar el amor de su chica, Jennifer, (Maria Menounos)- , "Zapatos de Cohete" reune a "The Funky Fresh Boys" (quienes están demasiado oxidados y lidian con sus propios problemas) para participar en un concurso de baile en el que el premio principal son $100,000 dólares.
Esta es la trama de "Kickin' it Old School", una nueva comedia protagonizada por Jamie Kennedy y que cuenta con la participación de gente como María Menounos (el amor de "Zapatos de Cohete"), Michael Rosembaum (el 'malo' de la historia) y Miguel A. Nuñez (uno de los "Funky Fresh Boys"). Kennedy ha aparecido en filmes como "Scream", "Enemy of the State" y "Malibu's Most Wanted". Actualmente es uno de los actores cómicos más solicitados y queridos de Hollywood. Miguel A. Nuñez Jr. es descendiente de dominicanos. Ha participado en comedias como "What's Happening", "Scooby Doo" y "Juwanna Mann", donde interpreta el papel que lo lanzó a la fama. Ambos platicaron con El Heraldo News vía teléfonica desde Miami acerca de pasos de baile, recuerdos de los 80's y batallas de breakdance vs Zombies.

¿Qué fue lo que les atrajo de la historia?
Jamie: El hecho de estar reviviendo los 80's en sí... la película tiene toneladas de referencias a la época, la moda, la música.. fue muy divertido y emocionante hacer un proyecto como éste.

Siendo ésta una película en la que el baile juega un papel tan importante, ¿tuvieron algún tipo de preparación especial o de plano sólo "se aventaron al ruedo"?
Jamie: Tuvimos varios coreógrafos de breakdance, era prácticamente un campo militar de baile. Nos ejercitábamos todos los días, practicábamos las coreografías y veíamos muchas películas de los 80's.
Miguel: Hace años estuve en una serie de TV basada en la Guerra de Vietnam, y nada de lo que hice en ese momento se compara con lo difícil que es bailar breakdance (risas).

En la película aparecen muchos íconos ochenteros como Erik Estrada y David Hasselhoff (estrella de "El Auto Increíble")... ¿hay alguien más a quien les hubiera gustado incluír pero que no les haya sido posible invitarlo?
J: No... la verdad es que tenemos una alineación de ensueño, logramos juntar un "dream team" de los ochenta. Fuimos muy afortunados de contar con tantas leyendas.

¿Con cuál de estas leyendas se llevaron mejor?
J: Emmanuel Lewis (el protagonista de la serie “Webster”) es "mi compa". Lo adoro, es muy buena onda.
M: A mi me hubiera gustado pasar tiempo con Prince... siempre consigue chavas muy guapas (risas).

¿Cuál es el mejor recuerdo que tienen de los 80's?
J: Juntarme a bailar breakdance con mis amigos, ir a las 'maquinitas', ver las películas de John Hughes, en fin... las películas, los juegos, todo lo de la época me gusta mucho.
M: Todo el mundo se concentraba en pasársela bien, andar en la playa, convivir con los amigos... no había guerra, había fiestas sin parar en Miami, L.A... era puro amor entre todo el mundo.

En nuestros días... ¿quién creen que ganaría en una competencia de baile, los chavos que salieron de zombies en el video de "Thriller" de Michael Jackson o "The Funky Fresh Boys"?
(Ambos sueltan una sonora carcajada)
J: Pues en la vida real, los chavos que se vistieron de zombies... pero yo escribiría un guión para que ganáramos nosotros.
M: Sí.. ellos. Pero creo que si nos esforzamos les podemos ganar. Ya sabemos como "mover el bote".

"Kickin' it Old School" se estrena el próximo viernes 27 de abril y está clasificada “PG-13” por lenguaje fuerte, uso de drogas, contenido sexual y algo de violencia..

La sexta es la vencida

En una noche de Oscares por demás globalizada, el legendario Martin Scorsese por fin se llevó a su casa la estatuilla al mejor director

Por: Aníbal Díaz González.

Domingo 25 de febrero de 2007. Algunos minutos ya sobrepasaban las 11 de la noche (tiempo del centro) y la ceremonia de galardones fílmicos más importante de
todo el orbe estaba a punto de concluír. Durante poco más de dos horas, un segmento de la comunidad cinematográfica mundial congregada en el teatro Kodak en Hollywood y millones de televidentes alrededor del mundo presenciaron premiaciones predecibles, la gracia de la comediante Ellen DeGeneres y un espectacular
show de sombras chinas. Llegó el momento de anunciar al mejor director. Pasaron al escenario Francis "El Padrino" Ford Coppola, George "Nopuedovivirsinefectosespeciales" Lucas y
Steven "todo mundo me conoce" Spielberg. Después de una retahíla de chistes malos propios de los anfitriones que están a punto de entregar un premio, se anunciaron los nominados:Clint Eastwood - "Letters from Iwo Jima". Stephen Frears - "The Queen". Alejandro González Iñárritu - "Babel". Paul Greengrass - "United 93". Martin Scorsese - "The Departed".Spielberg toma el clásico sobre (y que eternamente se niega a ser abierto) con el nombre del ganador y acerca su boca al micrófono. Los fanáticos de "Taxi Driver" y "Buenos Muchachos" soltamos un respiro de alvio: "Martin Scorsese", anuncia Spielberg. Menudo y espontáneo, Scorsese levanta las manos en una señal que parece decir "al fin, carajo" y se dirige al podio, no sin antes celebrar junto a sus acompañantes, entre ellos Leonardo DiCaprio y Mark Whalberg, dos de los protagonistas de "The Departed". La caminata triunfal de Scorsese inicia al mismo
tiempo que las cámaras televisivas se abalanzan sobre la audiencia del teatro Kodak: DiCaprio aplaude enérgicamente con una alegría desbordante, González Iñárritu pone cara de compungido, Eastwood, Frears y Greengrass sonríen y aplauden con aparente sinceridad y tras bambalinas Jack Nicholson -también del elenco de "The Departed" y con un look similar al de Britney Spears- junta sus palmas eufóricamente.Scorsese recibe su premio entre abrazos y palabras de aliento de Coppola, Lucas y Spielberg mientras toda una audiencia lo ovaciona de pie, pero eso no era todo. Momentos después se anuncia la cereza del pastel: el Oscar de mejor película se va también para "The Departed". La ceremonia concluye y el cineasta se
va a celebrar junto a los demás ganadores.Cabe mencionar que al recibir el premio, Scorsese volvió a levantar las manos en señal de "¡por fin!", gesto correspondido por sus fanáticos. Y es que la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas ya se había tardado en reconocer su trabajo como director. Ya había sido nominado cinco veces (por "Toro Salvaje", "La Ultima Tentación de Cristo", "Buenos Muchachos", "Pandillas de Nueva York" y "El Aviador"), pero la estatuilla lo driblaba, le coqueteaba, 'le hacía ojitos'... pero hasta ahí. Lo bueno fue que la noche del domingo pasado demostró que no hay sexto malo y el maestro Scorsese por fin la hizo suya. Y es que la influencia del director es innegable en el cine contemporáneo: Gracias a él, gente como Robert DeNiro y Joe Pesci se convirtieron en grandes íconos de la pantalla grande; sus épicas de la mafia definieron toda una época; los diálogos en sus cintas se niegan a dejar la memoria colectiva de los cinéfilos de hueso colorado (el "Are you talkin' to me?", de DeNiro en "Taxi Driver" es una de las frases más imitadas y repetidas en el cine moderno); y demostró que el vivir de Hollywood no significa comprometer su arte a cambio de un cine complaciente y dominguero. A "The Departed" se le ha calificado como la mejor cinta de mafiosos desde "Buenos Muchachos", pero tengo fe en que dentro de muy pronto éste comparativo quedará obsoleto. Con casi 65 años de edad y varios proyectos en puerta, sé que Scorsese volverá a la carga con nuevas historias y nuevos personajes que seguramente -al igual que él- serán convertidos en leyendas. No hay por que preocuparse. Hay Martin para rato.

Del Toro lo volvió a hacer:"El Laberinto del Fauno", de lo mejor del año

Por: Aníbal Díaz González

Ya ha transcurrido más de una década desde que Guillermo del Toro nos presentara su particular mundo de personajes bizarros e historias de horror sumamente originales
en "Cronos" (1993). Con esta película -acerca de un aparato que regalaba la vida eterna a su dueño-, del Toro demostró que a la hora de hacer cine de calidad una buena
dosis de imaginación siempre resultará ganadora ante millones y millones de dólares de presupuesto, y, lo que es más, en su momento le probó al mundo que México podía
producir cintas de terror que no tuvieran que ver con mujeres lobo o Pedro Fernández combatiendo a una muñeca diabólica.Poco tiempo después Hollywood puso su vista sobre el realizador Jaliciense. Llegaron "Mimic" (1997), "Blade II" (2002) y "Hellboy" (2004); y entre éstas superproducciones se dio tiempo para, en complicidad con Pedro Almodóvar, traer al mundo "El Espinazo del Diablo" (2001), otro cuento de horror fantástico que bien
podría ser una 'precuela' informal para la obra que es la razón de este artículo: "El Laberinto del Fauno".
Situada en la época de la Post-Guerra Civil Española, en "El Laberinto del Fauno" conocemos a Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 12 años que tiene que mudarse a vivir al
campo con su padrastro, el Capitán Vidal (Sergi López) y su madre embarazada (Ariadna Gil). Vidal y su tropa se encuentran en la campiña tratando de resistir a las fuerzas
rebeldes, es por eso que le exige a su esposa que viaje a su lado para que su hijo nazca ante su presencia. Mientras vive una realidad deprimente con su padre muerto y su aversión recíproca hacia el Capitán, Ofelia se refugia en su pasión: los libros de cuentos de hadas. A su llegada al campo, la pequeña descubre de manera accidental un laberinto de piedra que al estimular su afición por la fantasía le causa una curiosidad inmensa.
Una de las sirvientas de Vidal (Maribel Verdú, en una de las mejores interpretaciones de toda su carrera), se percata del interés de la niña por el lugar y le advierte que no se interne
en el mismo porque podría perderse. Sin embargo, durante la misma noche de su llegada Ofelia es visitada por un hada, y guiada por la fantástica criatura la pequeña se interna en el laberinto. Ahí conoce a un fauno (una criatura mitológica mitad chivo, mitad hombre interpretada por Doug Jones), quien le revela que es la hija perdida del rey de un mundo subterráneo y mágico, y
que para volver a ganar su posición como princesa deberá llevar a cabo tres tareas que transportarán a la niña a un fantástico, bizarro y peligroso mundo.
De aquí en adelante, "El Laberinto..." es un despliegue de actuaciones inolvidables, criaturas tan fascinantes como extrañas, y, por supuesto, una de las historias más originales de los últimos tiempos. A estas alturas de la jugada, Guillermo del Toro es uno de los directores de mayor
prestigio alrededor del mundo y gracias a su propia compañía cinematográfica, Tequila Gang, ya puede darse el lujo de invertir un presupuesto bastante jugoso en sus producciones, lo que se refleja en las locaciones y efectos especiales de "El Laberinto...". Lo bueno de éste asunto es que la belleza y el magnetismo de su historia sigue sobrepasando cualquier signo de dólares o de pesos: "límites" es una palabra que no figura en el vocabulario de la imaginación del realizador mexicano. En cuanto a las actuaciones, la pequeña Ivana Baquero me puso a soñar muy alto: en mis alucinaciones guajiras se une al selecto club de Tatum O'Neal y Anna Paquin
como una de las ganadoras del premio de la academia más jóvenes de la historia (O'Neal y Paquin tenían 10 y 11 años respectivamente cuando ganaron la estatuilla).
Baquero le da a Ofelia una combinación de inocencia, introversión, curiosidad, valentía y tristeza que un servidor nunca había visto en un actor o actriz infantil. El espectador se convierte en cómplice de la niña, quiere seguir explorando el laberinto junto a ella, sufre con su tristeza, se desespera ante la situación de su familia y experimenta una sensación tanto de sufrimiento como de alivio cuando se revela el destino final de la pequeña. Hay que mencionar también a Sergi López como el sádico y cruel Capitán Vidal, quien no se tienta el corazón a la hora de hacer sufrir a sus enemigos, Ofelia incluída. Si usted nunca ha odiado a un personaje ficticio, creáme que a Vidal va querer sacarle los ojos, meterle hierros ardiendo en las cuencas y finalmente freírlo en aceite mientras le arranca las manos a machetazos (perdón por ser tan gráfico, pero es la verdad). Por último, pero no menos importante, como olvidar a Maribel Verdú. Con su interpretación de la abnegada sirvienta de Vidal que es más de lo que aparenta, Verdú se lleva la película junto con Baquero. Mientras que en México ya estuvo en cartelera, en Estados Unidos fue de los últimos filmes que se estrenó en 2006. Ante éste margen de
pocas semanas, déjeme lanzarle una última advertencia: "El Laberinto..." fue muy bien recibida en el festival de Cannes, así como por la crítica especializada en Inglaterra y
EUA, y la cereza en el pastel es que ya está más que confirmado que será la representante oficial de México durante la próxima entrega de los Oscares como mejor película
extranjera. Y aunque la competencia está fuerte -y con el riesgo de sonar cursi-, no pierdo las esperanzas de que ahora sí y gracias a Guillermo, el cine mexicano viva próximamente su
propio cuento de hadas.

No es una vaca cualquiera... (Entrevista con el director de Barnyard)

El 'poder bovino' está más animado que nunca en la nueva cinta de Nickelodeon, Barnyard. El director de la película, Steve Oedekerk, brindó una entrevista para El Hispano News.

Por: Aníbal Díaz González

¿A quién se le podría ocurrir que una vaca macho -si eso existe- sería la protagonista perfecta de una cinta animada?. Nada más y nada menos que a Steve Oedekerk, uno de los 'hombres orquesta' más exitosos de Hollywood. Oedekerk fue el guionista de éxitos cómicos como "Ace Ventura", "The Nutty Professor" y "Bruce Almighty", además ha fungido como productor de otras 'joyitas' como "Kung Pow" y la versión de la pantalla grande de "Jimmy Neutron". Ésta temporada, el genio alocado de Oedekerk nos presenta "Barnyard", la primer película animada dirigida por éste 'milusos'. La trama principal de "Barnyard" gira alrededor de Otis (con la voz de Kevin James, protagonista de la serie "The King of Queens"), una vaca que es un verdadero 'animal fiestero'. Cuando los ancianos dueños de la granja en la que viven Otis y sus amigos (Pip el ratón, Freddy el hurón, Peck el gallo y Pig el cerdo) no están observando, el alegre animal y su banda arman pachangas, hacen bromas y ven televisión. El padre de Otis, Ben (voz de Sam Elliot, conocido por su papel de militar en "Hulk"), está preocupado por los hábitos de su hijo, ya que algún día éste tendrá que tomar su lugar y ser el líder de la granja, protegiendo a todos de la amenaza constante de unos coyotes con intenciones nada buenas. Vía telefónica desde Los Angeles, Steve ofreció una entrevista para El Hispano News acerca de la idea detrás de Barnyard y el complicado -pero divertido- proceso de traer a la vida a éste grupo de 'animales pachangueros'.

¿Cómo se te ocurrió la idea de la trama de la película?

Hace varios años estaba en casa de un amigo, y a donde quiera que iba su perro me seguía y no dejaba de mirarme. Me empecé a imaginar que cuando me fuera de casa de mi amigo el perro empezaría a caminar en dos patas y a decir "uta... por fin se fue éste fulano", y después se juntaba con el gato a jugar póker. Fue un pensamiento gracioso que se quedó conmigo, ahora lo llevé más allá con ésta película.

Ésta es la primera vez que dirges una película animada, cuéntame de tu experiencia.

La principal diferencia de hacer una cinta de animación y una de 'acción viva' es que las películas animadas llevan mucho más tiempo. Mientras que en una película normal te puedes llevar un año haciéndola, entre las etapas de pre-producción, filmación y post-producción, con "Barnyard" nos tardamos tres años. Es un proceso muy largo, muy meticuloso. Cuidamos de detalles tan pequeños como la forma de las nubes.

A lo largo de tu carrera, en tus películas haz actuado, dirigido, y producido... ¿también tienes voto en el proceso del casting?

¡Claro!. Al ir escribiendo las partes de cada personaje me iba imaginando a la mayoría de los actores que prestarían sus voces. Siempre tuve en mente a Sam Elliot para dar vida al papá de Otis. En cuanto al mismo Otis, también me encantó Kevin James para éste papel. La verdad no veo mucha televisión, pero cuando vi "The King Of Queens" me gustó mucho que Kevin suena muy auténtico cuando se enoja, cuando está frustrado, me parece muy cómico. Cuando vi su show hice una nota mental de que tenía que conseguirlo para ésta película, lo necesitaba para que hiciera Otis desde el punto de vista que lo que quería que entregara la interpretación de un personaje que siempre 'la riega' pero no puedes evitar que te caiga bien.

Es la primera vez que Kevin presta su voz para una cinta de animación, ¿no batallaste con él?

El primer día estuvo raro, como que andaba muy serio. Pero empezó a leer sus líneas y de ahí en adelante todo fluyó de manera muy natural, empezó a desatarse como no tienes idea.

Algunos creadores como Matt Groening (el 'papá' de los Simpson) relacionan los nombres de sus personajes o sus historias con sus familiares o amigos. ¿Haz hecho algo parecido en alguna de tus cintas?

Lo que a mí me gusta hacer es sacar de la imaginación las cosas más locas y absurdas posibles, no trato de basarme en algo que ya existe. Por ejemplo, en la película sale un niño que es muy molesto, y el chiste aquí es tratar de crear al niño más horrendo que haya vivido sobre la faz de la tierra, alguien que sea muy odiable.

¿Cuál crees que sea el mensaje principal de 'Barnyard'? (si lo hay)

Es una historia muy bonita, en la que se destaca la relación entre padre e hijo. Todo el mundo se podrá identificar con ella.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Ya hay una serie de 'Barnyard' en preproducción para Nickelodeon, y estoy contemplando la idea de traer de vuelta al 'chosen one' (el personaje principal de la comedia de artes marciales "Kung Pow") en una secuela. También estamos preparando una serie bien extraña de anime que combinará fotografías, recortes y animación tradicional, es algo que nunca se ha visto.

Gracias Steve.

Gracias a tí.

La vida detrás del mostrador -Clerks II-

Los 'célebres' personajes de Kevin Smith regresan en Clerks II

Por: Aníbal Díaz González

¿Quién demonios es Kevin Smith?. A simple vista es un clásico gringo gordo treintón y de lentes, con rasgos de nerd, pero no nos vayamos con la finta. Smith es uno de los directores más trascendentales de la década de los 90s, ya que su ópera prima 'Clerks' (algo así como 'dependientes de tienda' en español), es el ejemplo más claro de cómo se hace una buena cinta independiente: poco presupuesto, guión bien estructurado, actores completamente desconocidos que entregan interpretaciones memorables y claro, es un trabajo filmado en su totalidad en blanco y negro. La trama de 'Clerks' es simple: Dante Hicks (Christopher O'Halloran ), un veinteañero que recientemente abandonara la universidad, se gana su mediocre vida trabajando en una tienda tipo seven eleven en New Jersey. Cierto día en el que a Hicks le toca descansar su jefe no puede asistir a atender el comercio, así que le dice a Dante que lo cubra 'sólo por ésta vez'. El joven asiste a su lugar de trabajo de mala gana, y junto a su mejor amigo Randal Graves (Jeff Anderson), quien labora como dependiente de un videoclub contiguo, vive una serie de sucesos estúpidos que van desde el venderle accidentalmente cigarros a una niña de 4 años hasta descubrir el cadáver de un anciano en el baño de la tienda. 'Clerks' fue filmada en 1994, en el pleno apogeo de la Generación X americana. 'La Gen X' se caracterizó por su apatía ante prácticamente todo aspecto de la vida, y los personajes de 'Clerks' reflejaron perfectamente ésta característica vital de ése fenómeno social, de ahí su éxito entre la juventud gringa. Dante y Randal sólo se preocupan por su bienestar y se la pasan discutiendo acerca de temas tan intrascendentes como el 'destino' de los obreros que construyeron la Estrella de La Muerte de las películas de Star Wars. 'Clerks' también marcó el nacimiento de un par de personajes que ya forman parte de la cultura 'pop' estadounidense: Jay (Jason Mewes) y Silent Bob (interpretado por el mismo Smith). Éste par se dedica a vender hierba -sí, de ésa hierba- afuera del videoclub en el que trabaja Randal, y han aparecido en todos los filmes posteriores que han salido de la mente de Kevin Smith. Años, premios, éxitos y varios aumentos de presupuesto después, el director entrega la secuela de 'Clerks', llamada, lógicamente, 'Clerks II'. En ésta segunda parte (ahora a color), Dante y Randal trabajan juntos en un restaurante de comida rápida tipo McDonalds, y se las han ingeniado para, ahora a sus treinta y tantos años, conservar su 'amor' por aguantar a la clientela. Además tienen que enfrentarse a nuevos retos como el matrimonio, abandonar Jersey y encontrar una carrera real. "La película se trata acerca de qué es lo que pasa cuando la flojera de los 'veintitantos' dura hasta que cumplimos 30. Dante y Randal aún están sumergidos no exactamente en la misma situación, pero en un escenario en el que realmente es hora de madurar y hacer algo más que disecar la cultura 'pop' y hablar acerca de sexo", indicó el director Smith en una entrevista publicada en internet. "La idea detrás del filme se resume en una pregunta: ¿qué les pasó a éstos dos?". Al microuniverso de 'Clerks' llegaron nuevas caras: Rosario Dawson, conocida por su trabajo en cintas como 'Sin City', 'Kids' y 'Men In Black 2' interpreta a la sexy manager del restaurante, y para hacerle honor a la tradición de emplear a actores desconocidos, el director Smith le dió la oportunidad a Trevor Fehrman, quién encarna a la nueva joven promesa 'nerd' Elias Grover, y quien aparentemente se encargará de tomar la estafeta de sarcasmo e ironía de Dante y Randal. En 'Clerks II' hay que esperar más de lo mismo, lo cual puede que no sea necesariamente malo. Ésta vez las discusiones entre los protagonistas y sus clientes tienen temas más actuales como quién ganaría en una pelea entre George Lucas, Peter Jackson y Jesucristo; y Jay y Silent Bob regresan a hacer lo suyo entre chistes y referencias a 'El Código Da Vinci' y 'El Silencio de los Inocentes'. Aunque está recomendada especialmente para los fans de hueso colorado del mundo de Kevin Smith, 'Clerks II' podrá arrancarle una que otra carcajada al público en general, especialmente si le gustan las comedias simples. 'Clerks II' ya está disponible en DVD.